Un expresionist norvegian…I

La sfârșitul secolului XIX, pictura europeană era saturată de impresionism : Monet, Manet, Pissaro, Morisot, Sisley, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec și mulți alții…Probabil că impresionismul a fost cel mai prolific curent artistic al secolului. A apărut însă o saturare și epuizare a mijloacelor de expresie plastică, care a făcut ca titani precum Cezane, Van Gogh, Gauguin și alții, în căutarea de noi mijloace de expresie, să învețe să simplifice și să delimiteze volumele, să ajungă la acea formă de expresie numită azi expresionism…Azi vom vorbi despre un pictor expresionist norvegian : Edvard Munch…

Edvard Munch (1863 –1944) este un pictor norvegian. Cea mai cunoscută lucrare a sa, Strigătul (1893), a devenit una dintre cele mai emblematice imagini ale expresionismului.

 

Scurtă Biografie

 

Edvard Munch s-a născut într-o fermă din satul Ådalsbruk din Løten, Norvegia, în 1861. După moartea mamei lor, frații Munch au fost crescuți de tatăl lor și de mătușa lor Karen. Adesea bolnav o mare parte din ierni și ținut departe de școală, Edvard desena pentru a se menține ocupat. A fost îndrumat de colegii săi de școală și de mătușa lui. Tatal l-a instruit pe fiul său  în istorie și literatură și i-a distrat pe copii cu povești vii cu fantome și povești ale scriitorului american Edgar Allan Poe.  Copilăria lui a fost umbrită de boală, doliu și teama de a moșteni o afecțiune psihică ereditară. Munch a scris: „Tatăl meu era temperamental nervos și obsesiv religios – până la psihonevroză. De la el am moștenit semințele nebuniei. Îngerii fricii, ai tristeții și ai morții mi-au stat alături din ziua în care m-am născut”. Munch avea să scrie mai târziu: „Am moștenit doi dintre cei mai înfricoșători dușmani ai omenirii – moștenirea consumului (de alcool) și a nebuniei”.

Salariul militar al tatălui era foarte scăzut, ținându-și familia într-o sărăcie elegantă, dar perenă. Se mutau frecvent dintr-un apartament ieftin în altul. Desenele și acuarelele timpurii ale lui Munch descriu aceste interioare și obiectele individuale, cum ar fi sticle de medicamente și instrumente de desen, plus câteva peisaje. În adolescență, arta a dominat interesele lui Munch. La 13 ani, Munch a avut prima sa expoziție împreună cu  alți artiști la nou formata Asociație de Artă, unde a admirat munca școlii norvegiene de peisaj. S-a întors să copieze tablourile, iar curând a început să picteze în ulei.

În 1879, Munch s-a înscris la un colegiu tehnic pentru a studia ingineria, unde a excelat în fizică, chimie și matematică. A învățat desenul la scară și în perspectivă, dar bolile frecvente i-au întrerupt studiile. În anul următor, spre dezamăgirea tatălui său, Munch a părăsit colegiul hotărât să devină pictor. Tatăl său a văzut arta ca pe o „meserie nesfântă”, iar vecinii săi au reacționat cu amărăciune și i-au trimis scrisori anonime. Spre deosebire de pietismul turbat al tatălui său, Munch a adoptat o poziție nedogmatică față de artă. Și-a scris scopul în jurnalul său: „În arta mea încerc să-mi explic viața și sensul ei”. În 1881, Munch s-a înscris la Școala Regală de Artă și Design din Kristiania. Profesorii săi au fost sculptorul Julius Middelthun și pictorul naturalist Christian Krohg .

Portretul lui Karl Jensen-Hjell

În acel an, Munch și-a demonstrat rapid talentul său în primele sale portrete, inclusiv unul al tatălui său și primul său autoportret. În 1883, Munch a participat la prima sa expoziție publică și a împărțit un studio cu alți studenți. Portretul său în lungime completă al lui Karl Jensen-Hjell, un boem notoriu din oraș, a câștigat răspunsul disprețuitor al criticului: „Este impresionismul dus la extrem. Este o parodie a artei”.

Nud in picioare

Picturile nud ale lui Munch din această perioadă supraviețuiesc doar în schițe, cu excepția Standing Nude (1887).

Studiind la Școala Regală de Artă și Design din Kristiania (Oslo de astăzi), Munch a început să ducă o viață boemă sub influența nihilistului Hans Jæger , care l-a îndemnat să-și picteze propria stare emoțională și psihologică („ pictură sufletească ”); din aceasta a ieșit stilul său distinctiv. Călătoriile au adus noi influențe și debușeuri. La Paris, a învățat multe de la Paul Gauguin, Vincent van Gogh și Henri de Toulouse-Lautrec , în special de la utilizarea lor a culorii. La Berlin, l-a întâlnit pe dramaturgul suedez August Strindberg, pe care l-a pictat, în timp ce începea o serie majoră de picturi, pe care mai târziu avea să o numească Friza vieții, înfățișând o serie de teme precum dragostea, anxietatea, gelozia și trădarea. Strigătul a fost conceput în Kristiania.

Munch a spus că se plimba la apusul soarelui, când „a auzit țipătul enorm, infinit al naturii”. Chipul agonizat al picturii este larg identificat cu angst -ul omului modern.

Strigătul

Între 1893 și 1910, a realizat două versiuni pictate și două în pastel, precum și o serie de imprimeuri. Unul dintre pasteluri avea să dețină în cele din urmă al patrulea cel mai mare preț nominal plătit pentru un tablou la licitație.

Pe măsură ce faima și bogăția lui creșteau, starea lui emoțională a rămas nesigură. O criză psihică din 1908 l-a forțat să renunțe la băutura excesivă. Ultimii săi ani au fost petrecuți lucrând în pace și intimitate. Deși lucrările sale au fost interzise în Europa ocupată de naziști, majoritatea au supraviețuit celui de-al Doilea Război Mondial, asigurându-i o moștenire.

Disperarea

 

Edvard Munch a avut probleme grave de sănătate mintală în timpul vieții sale. Se crede că a avut tulburare de personalitate borderline, o tulburare de sănătate mintală caracterizată prin frică de abandon, sentimente cronice de gol, comportament impulsiv și diverse alte simptome. Munch a afișat aceste simptome prin multe dintre acțiunile sale.

Sursa biografiei : Wikipedia

Despre stil

 

Impresionismul l-a atras și inspirat pe Munch încă de la o vârstă fragedă. În acești primi ani, el a experimentat multe stiluri, inclusiv naturalismul și impresionismul. Unele lucrări timpurii amintesc de Manet. Multe dintre aceste încercări i-au adus critici nefavorabile din partea presei și i-au adus reproșuri constante din partea tatălui său, care i-a oferit totuși sume mici pentru cheltuielile de trai. La ​​un moment dat, însă, tatăl lui Munch, poate influențat de opinia negativă a vărului lui Munch, Edvard Diriks (un pictor tradițional consacrat), a distrus cel puțin un tablou (probabil un nud) și a refuzat să mai avanseze bani pentru artă.

Copilul bolnav

 

Tatăl lui Munch era supărat și pentru relația cu Hans Jæger, nihilistul local care a trăit după codul „o pasiune de a distruge este și o pasiune creativă” și care a susținut sinuciderea drept calea supremă către libertate.  Munch a fost sub vraja lui răuvoitoare, anti-establishment. „Ideile mele s-au dezvoltat sub influența boemilor sau mai degrabă sub Hans Jæger. Mulți oameni au susținut în mod eronat că ideile mele s-au format sub influența lui Strindberg și a germanilor… dar este greșit. Ele fuseseră deja formate până atunci.” La acea vreme, spre deosebire de mulți dintre ceilalți boemi, Munch era încă respectuos față de femei, precum și rezervat și manierat, dar a început să cedeze băuturilor excesive și bătăii din cercul său. Era neliniștit de revoluția sexuală care avea loc la acea vreme și de femeile independente din jurul lui. Mai târziu a devenit cinic în privința chestiunilor sexuale, exprimat nu numai în comportamentul și arta sa, ci și în scrierile sale, un exemplu fiind un lung poem numit Orașul iubirii libere. Încă dependent de familia sa pentru multe dintre mesele sale, relația lui Munch cu tatăl său a rămas tensionată din cauza preocupărilor legate de viața lui boemă.

După numeroase experimente, Munch a concluzionat că idiomul impresionist nu permitea o exprimare suficientă. El a găsit-o superficială și prea asemănătoare cu experimentarea științifică. A simțit nevoia să meargă mai adânc și să exploreze situații pline de conținut emoțional și energie expresivă. Sub porunca lui Jæger ca Munch să-și „scrie viața”, adică să-și exploreze propria stare emoțională și psihologică, tânărul artist a început o perioadă de reflecție și autoexaminare, înregistrându-și gândurile în „jurnalul sufletului”. Această perspectivă mai profundă l-a ajutat să se mute la o nouă viziune asupra artei sale. El a scris că pictura sa Copilul bolnav(1886), bazat pe moartea surorii sale, a fost prima sa „pictură de suflet”, prima sa rupere de impresionism. Tabloul a fost primit prost de critici și a provocat o nouă „explozie violentă de indignare morală” din partea comunității.  Doar prietenul său Christian Krohg l-a apărat:

El pictează, sau mai degrabă privește, lucrurile într-un mod diferit de cel al altor artiști. El vede doar esențialul și asta, firesc, este tot ce pictează. Din acest motiv, picturile lui Munch sunt, de regulă considerate  „incomplete”. Arta este completă odată ce artistul a spus cu adevărat tot ce a avut în minte și tocmai acesta este avantajul pe care Munch îl are față de pictorii din cealaltă generație, că știe cu adevărat să ne arate ce a simțit și ce l-a cuprins, iar aceasta subordonează orice altceva.

Munch a continuat să folosească o varietate de tehnici de pensulație și palete de culori de-a lungul anilor 1880 și începutul anilor 1890, în timp ce se străduia să-și definească stilul. Idioma lui a continuat să oscileze între naturalist, așa cum se vede în Portretul lui Hans Jæger și impresionist, ca în Rue Lafayette .

Portretul lui Hans Jæger

Rue Lafayette

 

Inger On the Beach (1889), care a provocat o altă furtună de confuzie și controverse, sugerează formele simplificate, contururile grele, contrastele ascuțite și conținutul emoțional al stilului său din perioada de maturitate.

Inger pe plaja

 

A început să conceapă cu atenție compozițiile sale pentru a crea tensiune și emoție. În timp ce este influențat stilistic de postimpresionişti, a evoluat cu subiecte care au fost simboliste în conținu, înfățișând o stare de spirit mai degrabă decât o realitate externă. În 1889, Munch a prezentat prima sa expoziție individuală cu aproape toate lucrările sale de până acum. Recunoașterea pe care a primit-o a dus la o bursă de stat de doi ani pentru a studia la Paris sub pictorul francez Léon Bonnat. Munch a fost un critic al fotografiei ca formă de artă și a remarcat că „nu va concura niciodată cu pensula și paleta, până când fotografiile vor putea fi făcute în Rai sau Iad!”

Sora mai mică a lui Munch, Laura, a fost subiectul Melancoliei sale interioare din 1899: Laura. Amanda O’Neill spune despre lucrare: „În această scenă claustrofobă aprinsă, Munch înfățișează nu numai tragedia Laurei, ci și propria lui teamă de nebunia pe care ar fi putut-o moșteni”.

Laura  : Melancola sa interioara din 1899

 

 Paris. Munch a ajuns la Paris în timpul festivităților Expoziției Universale (1889) și s-a cazat cu doi artiști norvegieni. Pictura sa Morning (1884) a fost expusă la pavilionul norvegian. Și-a petrecut diminețile la studioul aglomerat al lui Bonnat (care includea modele feminine) și după-amiezele la expoziție, galerii și muzee (unde se aștepta ca studenții să facă copii, ca modalitate de a învăța tehnica și observația). Munch a înregistrat puțin entuziasm pentru lecțiile de desen ale lui Bonnat — „Mă obosește și mă plictisește — este amorțitor” — dar sa bucurat de comentariile maestrului în timpul excursiilor la muzeu.

Dimineata

 

Munch a fost încântat de vastul spectacol de artă europeană modernă, inclusiv de lucrările a trei artiști care s-au dovedit influenți: Paul Gauguin, Vincent van Gogh și Henri de Toulouse-Lautrec – toți remarcabili prin modul în care au folosit culoarea pentru a transmite emoții. Munch a fost inspirat în special de „reacția împotriva realismului” a lui Gauguin și de credința sa conform căreia „arta a fost opera umană și nu o imitație a naturii”, o credință afirmată mai devreme de Whistler. După cum a spus mai târziu unul dintre prietenii săi din Berlin despre Munch, „nu trebuie să se îndrepte spre Tahiti pentru a vedea și a experimenta primitivul din natura umană. El își poartă propriul Tahiti în el”. Influențat de Gauguin, precum și de gravurile artistului german Max Klinger, Munch a experimentat printuri ca mediu pentru a crea versiuni grafice ale lucrărilor sale. În 1896 și-a creat primele gravuri în lemn – un mediu care s-a dovedit ideal pentru imaginile simbolice ale lui Munch. Împreună cu contemporanul său Nikolai Astrup , Munch este considerat un inovator al gravurii în lemn în Norvegia.

În decembrie 1889, tatăl său a murit, lăsând familia lui Munch săracă. S-a întors acasă și a aranjat un împrumut mare de la un colecționar norvegian bogat, când rudele bogate nu au reușit să-i ajute și și-a asumat responsabilitatea financiară pentru familia sa de atunci. Moartea lui Christian l-a deprimat și a fost năpădit de gânduri sinucigașe: „Trăiesc cu morții – mama mea, sora mea, bunicul meu, tatăl meu… Ucide-te și apoi s-a terminat. De ce să trăiești?”. Picturile lui Munch din anul următor au inclus scene de tavernă schițate și o serie de peisaje urbane strălucitoare în care a experimentat cu stilul puntilist al lui Georges Seurat.

Melancolie , 1891, ulei, și creion pe pânză,  Muzeul Munch , Oslo

 

Berlin. Până în 1892, Munch și-a formulat stilul său caracteristic și original, sintetic, așa cum se vede în Melancholy (1891), în care culoarea este elementul încărcat cu simboluri. Considerată de artistul și jurnalistul Christian Krohg drept primul tablou simbolist al unui artist norvegian, Melancholy a fost expusă în 1891 la Expoziția de toamnă de la Oslo. În 1892, Adelsteen Normann , în numele Uniunii Artiștilor din Berlin, l-a invitat pe Munch să expună la expoziția sa din noiembrie, prima expoziție individuală a societății. Cu toate acestea, picturile sale au evocat controverse acerbe (numită „Afacerea Munch”), iar după o săptămână expoziția s-a închis. Munch a fost mulțumit de „marea zarvă” și a scris într-o scrisoare: „Nu am avut niciodată un timp atât de amuzant – este incredibil că ceva atât de inocent precum pictura ar fi trebuit să creeze o asemenea agitație”.

La Berlin, Munch s-a implicat într-un cerc internațional de scriitori, artiști și critici, inclusiv dramaturgul suedez și intelectualul de seamă August Strindberg, pe care   l-a pictat în 1892. L-a întâlnit și pe scriitorul și pictorul danez Holger Drachmann , pe care l-a pictat în 1898. Drachmann era cu 17 ani mai mare decât Munch și un tovarăș de băutură la Zum schwarzen Ferkel în 1893–94. În 1894, Drachmann a scris despre Munch: „Se luptă din greu. Mult succes în luptele tale, norvegian singuratic”. În cei patru ani petrecuți la Berlin, Munch a schițat majoritatea ideilor care ar cuprinde opera sa majoră, Friza vieții, concepută mai întâi pentru ilustrarea cărților, ulterior este exprimată în picturi. [49] A vândut puțin, dar a câștigat ceva din perceperea taxelor de intrare pentru a vedea picturile sale controversate.

Friza vieții

 

În această perioadă, Munch arăta o reticență de a se despărți de picturile sale, pe care le-a numit „copiii”.

Celelalte picturi ale sale, inclusiv scene de cazinou, arată o simplificare a formei și a detaliilor care au marcat stilul său de maturitate timpurie. Munch a început, de asemenea, să favorizeze un spațiu pictural puțin adânc și un fundal minim pentru figurile sale frontale. Deoarece ipostazele au fost alese pentru a produce cele mai convingătoare imagini ale stărilor de spirit și ale condițiilor psihologice, ca în Ashes , figurile conferă o calitate monumentală, statică.

Cenușă

Figurile lui Munch par să joace roluri pe o scenă de teatru ( Death in the Sick-Room ), a cărei pantomimă de posturi fixe semnifică diverse emoții; deoarece fiecare personaj întruchipează o singură dimensiune psihologică, ca în The Scream, bărbații și femeile lui Munch au început să pară mai mult simbolici decât realiști. El a scris: „Nu mai trebuie pictate interioarele, oamenii citind și femeile tricotând: ar exista oameni vii, care respiră și simt, suferă și iubesc”.

Moartea în camera bolnavă

  

Săptămâna viitoare vom continua să ,,vedem cum a evoluat opera lui Edvard Munch…

 

 

 Rubrică realizată de Cezar Corâci