Strigătul este cea mai faimoasă lucrare a lui Munch și una dintre cele mai cunoscute picturi din pictura universală. Pictura a fost interpretată ca reprezentând anxietatea universală a omului modern.  Pictată cu benzi largi de culori stridente și forme extrem de simplificate reduce figura angoasată la un craniu îmbrăcat în chinurile unei crize emoționale.

Strigatul (1893), National Gallery , Oslo

Cu această pictură, Munch și-a îndeplinit scopul declarat de „studiul sufletului, adică studiul propriului meu eu”. Munch a scris despre felul în care a apărut pictura: „Mergeam pe drum cu doi prieteni când a asfințit soarele; deodată, cerul a devenit roșu ca sângele. M-am oprit și m-am rezemat de gard, simțindu-mă nespus de obosit. Limbi de foc și sânge s-au întins peste fiordul negru albăstrui. Prietenii mei au continuat să meargă, în timp ce eu am rămas în urmă, tremurând de frică. Apoi am auzit țipătul enorm, infinit al naturii.”  Mai târziu, el a descris angoasa personală din spatele picturii, „de câțiva ani am fost aproape supărat… Știi poza mea, Strigătul?”.

În 2003, comparând pictura cu alte mari lucrări, istoricul de artă Martha Tedeschi a scris: Whistler’s Mother , Wood’s American Gothic , Mona Lisa de Leonardo da Vinci și Strigatul de Edvard Munch au realizat ceva ce majoritatea picturilor – indiferent de importanța istorică a artei, frumusețea sau valoarea monetară – nu au: ele comunică aproape imediat un sens specific fiecărui privitor. Aceste câteva lucrări au făcut tranziția cu succes de la tărâmul de elită al vizitatorului muzeului la spatiul enorm al culturii populare.

 

Friza vieții — O poezie despre viață, dragoste și moarte.  Deși este o reprezentare extrem de neobișnuită, această pictură ar putea fi a Fecioarei Maria. Dacă pictura este concepută în mod special ca o reprezentare a Mariei, este discutabil. Munch a folosit mai mult de un titlu pentru aceasta, inclusiv Loving Woman și Madonna.

Madonna

 

În decembrie 1893, Unter den Linden din Berlin a fost locația unei expoziții a lucrărilor lui Munch, prezentând, printre alte piese, șase tablouri intitulate Studiu pentru o serie: dragostea. Acesta a început un ciclu pe care l-a numit mai târziu Friza vieții — O poezie despre viață, dragoste și moarte. Motivele Frize of Life, cum ar fi Furtuna și Clara lunii, sunt pline de atmosferă.

Clar de lună

 

Alte motive luminează latura nocturnă a iubirii, precum Rose și Amelie, și Vampir. În Death in the Sickroom, subiectul este moartea surorii sale Sophie, pe care a reluat-o în multe variante viitoare. Concentrarea dramatică a picturii, portretizând întreaga sa familie, este dispersată în figurile separate și deconectate ale durerii. În 1894, el a lărgit spectrul de motive adăugând Anxiety, Ashes, Madonna și Women in Three Stages (de la inocență la bătrânețe).

Femeia in trei etape

Pe la începutul secolului al XX-lea, Munch a lucrat pentru a termina „Friza”. A pictat o serie de tablouri, multe dintre ele în format mai mare și într-o oarecare măsură prezentând estetica Art Nouveau a vremii. A realizat un cadru de lemn cu reliefuri sculptate pentru tabloul mare Metabolism (1898), numit inițial Adam și Eva .

Adam și Eva

Această lucrare dezvăluie preocuparea lui Munch legata de „căderea omului” și filozofia sa pesimistă a iubirii. Motive precum Crucea goală și Golgota (ambele spre  1900 ) reflectă o orientare metafizică și, de asemenea, reflectă educația pietistă a lui Munch. Întreaga Friză a fost prezentată pentru prima dată la secesionistexpozition la Berlin în 1902.

Golgota

Temele „Friza vieții” revin pe parcursul lucrării lui Munch, dar el s-a concentrat în special asupra lor la mijlocul anilor 1890. În schițe, picturi, pasteluri și imprimeuri, el a profitat de profunzimea sentimentelor sale pentru a-și examina motivele majore: etapele vieții, femeia fatală, lipsa de speranță a iubirii, anxietatea, infidelitatea, gelozia, umilirea sexuală și separarea în viață și moarte. Aceste teme sunt exprimate în picturi precum Copilul bolnav (1885), Dragoste și durere (retitulat Vampir ; 1893–94), Cenușă (1894) și Podul.. Acesta din urmă prezintă figuri slăbite, cu fețe lipsite de trăsături sau ascunse, peste care se profilează formele amenințătoare ale copacilor grei și caselor chinuite. Munch a descris femeile fie ca suferinde fragile, nevinovate (vezi Pubertate și Dragoste și Durere ), fie ca fiind cauza unui mare dor, gelozie și disperare (vezi Separare , Gelozie și Cenușă ).

Munch folosește adesea umbre și inele de culoare în jurul figurilor sale pentru a sublinia o aură de frică, amenințare, anxietate sau intensitate sexuală.

Dragoste și durere

Aceste picturi au fost interpretate ca reflectări ale anxietăților sexuale ale artistului, deși s-ar putea argumenta, de asemenea, că ele reprezintă relația lui turbulentă cu iubirea însăși și pesimismul său general cu privire la existența umană. Multe dintre aceste schițe și picturi au fost realizate în mai multe versiuni, cum ar fi Madonna, Hands și Puberty și, de asemenea, transcrise ca imprimeuri și litografii pe lemn. Munch ura să se despartă de picturile sale pentru că a considerat opera sa ca un singur corp de expresie. Așa că, pentru a-și valorifica producția și a obține ceva venituri, a apelat la artele grafice pentru a reproduce multe dintre picturile sale, inclusiv cele din această serie. Munch a recunoscut scopurile personale ale operei sale, dar și-a oferit arta unui scop mai larg, „Arta mea este într-adevăr o mărturisire voluntară și o încercare de a-mi explica relația mea cu viața – este, prin urmare, de fapt un fel de egoism, dar sper constant că prin aceasta îi pot ajuta pe alții să obțină claritate.”

Cenușa

În timp ce atrăgea reacții puternic negative, în anii 1890, Munch a început să înțeleagă obiectivele sale artistice, așa cum scria un critic: „Cu dispreț nemilos pentru formă, claritate, eleganță, integralitate și realism, el pictează cu puterea intuitivă a talentului cel mai mult viziuni subtile ale sufletului”. Unul dintre marii săi susținători la Berlin a fost Walther Rathenau, mai târziu ministrul german de externe, care a contribuit puternic la succesul său.

Podul

 

Paris, Berlin și Kristiania

În 1896, Munch s-a mutat la Paris, unde s-a concentrat pe reprezentările grafice ale temelor sale din ciclul Friza vieții. Și-a dezvoltat în continuare tehnica de gravură în lemn și litografie. Lucrarea lui Munch Autoportret cu schelet de mana

(1895) este realizat cu o metodă de gravare cu ac și cerneală folosită și de Paul Klee .

Autoportret cu schelet de mână

Munch a produs, de asemenea, versiuni multicolore ale picturii Copilul bolnav, referitoare la tuberculoză, care s-au vândut bine, precum și mai multe nuduri și mai multe versiuni ale Sarutului (1892). În mai 1896, Siegfried Bing a susținut o expoziție cu lucrările lui Munch în interiorul Maison de l’Art Nouveau a lui Bing. Au fost expuse 60 de lucrări, inclusiv Sărutul, Strigătul, Madona, Copilul bolnav, Camera morții și Ziua de după. Expoziția lui Bing a ajutat la prezentarea lui Munch publicului francez. Cu toate acestea, mulți dintre criticii parizieni încă considerau opera lui Munch „violentă și brutală”. Situația sa financiară s-a îmbunătățit considerabil și, în 1897, Munch și-a cumpărat o casă de vară cu vedere la fiordurile din Kristiania, o mică cabană de pescari construită la sfârșitul secolului al XVIII-lea, în orășelul Åsgårdstrand din Norvegia. A numit această casă „Casa Fericită” și s-a întors aici aproape în fiecare vară în următorii 20 de ani. Acesta era locul de care îi era dor când era în străinătate și când se simțea deprimat și epuizat. „A te plimba în Åsgårdstrand este ca și cum ai merge printre picturile mele – sunt atât de inspirat să pictez când sunt aici”.

Harald Nørregaard (1899), National Gallery

În 1897, Munch s-a întors la Kristiania. În 1899, Munch a început o relație cu Tulla Larsen. Au călătorit împreună în Italia și, la întoarcere, Munch a început o altă perioadă fertilă în arta sa, care a inclus peisaje și pictura sa finală din seria „The Frieze of Life”, The Dance of Life (1899). Larsen era dornic de căsătorie, dar Munch nu era.

Dansul vieții

Consumul de alcool și starea de sănătate precară i-au întărit temerile, așa cum scria la persoana a treia: „De când era copil a urât căsătoria. Căminul lui bolnav și nervos îi dăduse senzația că nu are dreptul să se căsătorească”. Munch aproape că a cedat, dar a fugit de Tulla în 1900 și s-a mutat la Berlin. Girls on the Jetty, creat în 18 versiuni diferite, a abordat tema tinereții feminine fără conotații negative. În 1902, și-a expus lucrările tematic în sala Secesiunii Berlinului, producând „un efect simfonic — a făcut mare agitație — mult antagonism — și multă aprobare”. Criticii berlinezi au început să aprecieze munca lui Munch, deși publicul încă găsea opera lui străină și ciudată.

Fete pe pod 1

Fete pe pod 2

Acoperirea bună a presei i-a atras atenția patronilor influenți Albert Kollman și Max Linde. El a descris turnura evenimentelor în jurnalul său: „După 20 de ani de luptă și mizerie, forțele binelui îmi vin în sfârșit în ajutor în Germania – și o ușă strălucitoare mi se deschide”. Cu toate acestea, în ciuda acestei schimbări pozitive, comportamentul autodistructiv și neregulat al lui Munch l-a condus mai întâi la o ceartă violentă cu un alt artist, apoi la o împușcătură accidentală în prezența lui Tulla Larsen, care se întorsese pentru o scurtă împăcare, ceea ce a dus la rănirea a două dintre degetele lui. Ulterior, Munch a făcut un autoportret care îi înfățișa pe el și pe Larsen. În cele din urmă, Tulla l-a părăsit și s-a căsătorit cu un coleg mai tânăr ca Munch. Munch a considerat asta ca pe o trădare și s-a oprit asupra umilinței pentru ceva vreme, canalizând o parte din amărăciune în picturi noi. Picturile sale Still Life (The Murderess) și The Death of Marat I, realizate în 1906–1907, fac referire în mod clar la incidentul împușcării și la efectele emoționale.

Criminalii

 

În 1903–04, Munch a expus la Paris, unde viitorii fauviști, faimoși pentru culorile lor vii, au văzut probabil lucrările sale și ar fi putut găsi inspirație în ele. Când Fauvii și-au organizat propria expoziție în 1906, Munch a fost invitat și și-a expus lucrările împreună cu ale lor. După ce a studiat sculptura lui Rodin, Munch a încercat si și sculptura. În acest timp, Munch a primit multe comenzi pentru portrete și printuri, care i-au îmbunătățit situația financiară. În 1906, a pictat ecranul pentru o piesă de teatru a lui Ibsen în micul Teatru Kammerspiele din Berlin.In teatrul Deutsches a fost expusă Friza Vieții. Regizorul teatrului, Max Reinhardt, l-a vândut ulterior; se află acum la Nationalgalerie din Berlin. După o perioadă de peisaje, în 1907 și-a îndreptat din nou atenția asupra figurilor și situațiilor umane.

 

În toamna anului 1908, anxietatea lui Munch, agravată de băutul excesiv devenise acută. După cum a scris mai târziu, „Starea mea era aproape de nebunie – era atingerea și plecarea”. Sub rezerva halucinațiilor și sentimentelor de persecuție, a intrat în clinica lui Daniel Jacobson. Terapia primită de Munch pentru următoarele opt luni a inclus dietă și „electrificare” (un tratament la modă atunci pentru afecțiunile nervoase). Şederea în spital i-a sedimentat personalitatea, iar după ce s-a întors în Norvegia în 1909, opera sa a devenit mai colorată şi mai puţin pesimistă. Înseninându-i și mai mult starea de spirit, publicul larg din Kristiania a apreciat în cele din urmă la pictura sa, iar muzeele au început să-i cumpere picturile. A fost numit Cavaler al Ordinului Regal Sf. Olav „pentru slujbe în artă”. Prima sa expoziție americană a fost în 1912 la New York.

Ca parte a recuperării sale, Jacobson l-a sfătuit pe Munch să socializeze doar cu prieteni buni și să evite să bea în public. Munch a urmat acest sfat și, în acestă perioadă, a produs mai multe portrete de înaltă calitate ale prietenilor și patronilor .El a creat, de asemenea, peisaje și scene cu oameni la locul de muncă și la joacă, folosind un nou stil optimist – pensule largi, libere, de culori vibrante, cu utilizarea frecventă a spațiului alb și utilizarea rară a negrului – cu referiri doar ocazionale la temele sale morbide. Cu mai multe venituri, Munch a reușit să cumpere mai multe proprietăți, oferindu-i noi perspective pentru arta sa și, în sfârșit, a putut să-și asigure familia.

În 1913, între Munch și Emanuel Vigeland s-a desfășurat concursul final pentru decorarea pereților mari ai Universității din Oslo Aula (sala de adunări) . Episodul este cunoscut sub numele de „polemica Aula”. În 1914, Munch a fost însărcinat să decoreze Aula, iar lucrarea a fost finalizată în 1916. Această lucrare majoră în pictura monumentală norvegiană include 11 picturi care acoperă 223 m 2 (2.400 sq ft). Soarele, Istoria și Alma Matersunt sunt lucrările cheie în această secvență. Munch a declarat: „Am vrut ca decorațiunile să formeze o lume completă și independentă de idei și mi-am dorit ca expresia lor vizuală să fie atât norvegiană, cât și umană universală”. În 2014 s-a estimat că picturile Aula au o valoare de cel puțin 500 de milioane de coroane.

Aula Universitatii : Istorie (stânga), Soarele (față), Alma Mater (dreapta), picturi mai mici pe colțuri

Declanșarea Primului Război Mondial l-a găsit pe Munch cu loialități împărțite, așa cum a afirmat: „Toți prietenii mei sunt germani, dar Franța este cea pe care o iubesc”. În anii 1930, patronii săi germani, mulți evrei, și-au pierdut averile și unii și-au pierdut viața în timpul ascensiunii mișcării naziste. Munch a găsit tipografii norvegiene pentru a înlocui germanii care îi tipăriseră opera grafică. Având în vedere istoricul său de sănătate precar, în 1918, Munch s-a simțit norocos că a supraviețuit unei crize de gripă spaniolă, pandemia mondială din acel an.

Munch și-a petrecut majoritatea ultimelor două decenii în singurătate la moșia sa aproape autosuficientă din Ekely, la Skøyen , Oslo. Multe dintre picturile sale târzii celebrează viața fermă, inclusiv câteva în care și-a folosit calul de lucru „Rousseau” ca model. Fără niciun efort, Munch a atras un flux constant de modele feminine, pe care le-a pictat ca subiecte a numeroase picturi nud. Probabil că a avut relații sexuale cu unele dintre ele. Munch și-a părăsit ocazional casa pentru a picta picturi murale la comandă, inclusiv cele realizate pentru fabrica de ciocolată Freia.

Până la sfârșitul vieții sale, Munch a continuat să picteze autoportrete necruțătoare, adăugând la ciclul său de auto-căutare al vieții sale și la seria sa neclintită de interpretări asupra stărilor sale emoționale și fizice.

În anii 1930 și 1940, naziștii au etichetat opera lui Munch „ artă degenerată ” (împreună cu cea a lui Picasso, Klee, Matisse, Gauguin și mulți alți artiști moderni) și au scos cele 82 de lucrări ale sale din muzeele germane. Adolf Hitler a anunțat în 1937: „Pentru tot ce ne pasă, acei barbari și bâlbâitori de artă preistorici ai culturii epocii lor se pot întoarce în peșterile strămoșilor lor și acolo își pot aplica zgârierea internațională primitivă”.

Mormântul lui Munch la Cimitirul Salvatorului nostru din Oslo

În 1940, germanii au invadat Norvegia și partidul nazist a preluat guvernarea. Munch avea 76 de ani. Cu aproape o întreagă colecție de artă la etajul doi al casei sale, Munch a trăit de teama unei confiscări naziste. Șaptezeci și unu dintre picturile luate anterior de naziști au fost returnate Norvegiei prin cumpărare de către colecționari (celelalte 11 nu au fost niciodată recuperate), inclusiv Țipătul și Copilul bolnav, care au fost și ele ascunse de naziști.

Munch a murit în casa sa din Ekely, lângă Oslo, la 23 ianuarie 1944, la aproximativ o lună după împlinirea a 80 de ani.

Sursa datelor biografice : Wikipedia

Destin postum

Când Munch a murit, lucrările sale rămase au fost lăsate moștenire orașului Oslo, care a construit Muzeul Munch la Tøyen (deschis în 1963). Muzeul deține o colecție de aproximativ 1.100 de picturi, 4.500 de desene și 18.000 de imprimeuri, cea mai largă colecție a lucrărilor sale din lume. 

Muzeul Munch , Oslo

Muzeul Munch, Oslo

 

Arta lui Munch a fost foarte personală și a fost puțin folosită drept model. Simbolismul său „privat” a fost mult mai personal decât cel al altor pictori simboliști, precum Gustave Moreau și James Ensor. Munch este însă foarte influent, în special în zona expresioniștilor germani.  Multe dintre picturile sale, inclusiv Strigatul, au o recunoaștere universală in ciuda semnificației lor extrem de personală.

 

Imaginea lui Munch apare pe biletul de 1.000 de coroane norvegiene, împreună cu imagini inspirate din opera sa de artă.  În 2013, patru dintre picturile lui Munch au fost reprezentate într-o serie de timbre de către serviciul poștal norvegian , pentru a comemora în 2014 cea de-a 150 de ani de la nașterea sa.

Viata , Munch, la Primăria din Oslo. Camera se numește Sala Munch

 

Valoarea materiala a lucrarilor lui Munch a atras multi «investitori ». O versiune a lui The Scream a fost furată de la Galeria Națională în 1994. În 2004, o altă versiune a The Scream, împreună cu una a Madonna, a fost furată de la Muzeul Munch într-un jaf îndrăzneț la lumina zilei. Toate acestea au fost recuperate în cele din urmă, dar tablourile furate în jaful din 2004 au fost grav deteriorate. Au fost restaurate cu meticulozitate și sunt din nou expuse. Trei lucrări Munch au fost furate de la Hotel Refsnes Gods în 2005; au fost recuperate în scurt timp, deși una dintre lucrări a fost avariată în timpul tâlhăriei.

În octombrie 2006, gravura în lemn colorată „Două persoane. Singuraticul” a stabilit un record pentru amprentele sale când a fost vândut la o licitație din Oslo pentru 1,27 milioane USD, un record pentru cel mai mare preț plătit la licitație în Norvegia. La 3 noiembrie 2008, tabloul Vampire a stabilit un nou record pentru picturile sale când a fost vândut cu 38.162.000 USD (echivalentul a 51.900.000 USD în 2022) la Sotheby’s New York.

În mai 2012, The Scream s-a vândut cu 119,9 milioane USD (echivalentul a 152.800.000 USD în 2022) și este a doua cea mai scumpă lucrare de artă vândută vreodată la o licitație deschisă.

 

Munch și-a scris singur epitaful…

 

Din trupul meu putrezit,
vor crește flori
și eu sunt în ele
și asta este eternitatea.

A avut dreptate! A ramas cu opera sa in eternitate fiind considerat unul dintre cei mai importanți pictori din pictura universală!

 

 

Rubrică realizată de Cezar Corâci