În 1852, în timpul lui Napoleon III, este recunoscut în mod oficial ca pictor al Curții.

Izvorul – Musée d’Orsay, Paris

A continuat să-și refacă  și să-și rafineze temele clasice. În 1856, Ingres a finalizat Izvorul , o pictură începută în 1820 și strâns legată de Venus Anadyoméne .

În 1855 primește crucea de mare ofițer al Legiunii de Onoare. În 1862 artistul devine senator.

Aproape de sfârșitul vieții, a realizat una dintre cele mai cunoscute capodopere ale sale, Baia turcească . A reluat o figură și o temă pe care le picta din 1828, cu Petite Baigneuse . Terminat inițial într-un format pătrat în 1852 și vândut prințului Napoleon în 1859, a fost returnat artistului la scurt timp după aceea – potrivit unei legende, prințesa Clothilde a fost șocată de nuditatea abundentă.  După ce a repetat pictura ca tondo , Ingres a semnat-o și a dat-o în 1862, deși a făcut revizuiri suplimentare în 1863.  Avea 83 de ani ! Pictura a fost achiziționată în cele din urmă de un diplomat turc, Khalid Bey, care deținea o mare colecție de nuduri. și artă erotică, inclusiv mai multe picturi de Courbet. Pictura a continuat să provoace scandal mult după ce Ingres a murit. A fost oferit inițial la Luvru în 1907, dar a fost respins,  înainte de a fi dat Luvru în 1911.

 

Studii Baia turcească

 

 

Baia turcească (1862–63) – Luvru

 

Câteva cuvinte despre Stil

Stilul lui Ingres s-a format devreme în viață și s-a schimbat relativ puțin.  Primele sale desene, precum Portretul unui bărbat (sau Portretul unui necunoscut , 3 iulie 1797, aflat acum la Luvru  ) arată deja o suavitate a conturului și un control extraordinar al hașurilor paralele care modelează forme. De la prima, picturile sale sunt caracterizate de o fermitate a conturului care reflectă convingerea sa adesea citată că „desenul este probitatea artei”.  El credea că culoarea nu este altceva decât un accesoriu al desenului, explicând: „Desenul nu înseamnă doar reproducerea contururilor, nu este doar linia; desenul este și expresia, forma interioară, compoziția, modelarea. Vezi ce a mai rămas. după aceea. Desenul reprezintă șapte optimi din ceea ce alcătuiește pictura”. 

Istoricul de artă Jean Clay a spus că Ingres „a mers mereu de la certitudine la certitudine, astfel încât chiar și cele mai libere schițe ale sale dezvăluie același tip de execuție ca cel găsit în lucrările finale”.  Reprezentând corpul uman, el a ignorat regulile anatomiei – pe care le-a numit o „știință îngrozitoare la care nu mă pot gândi fără dezgust” – în căutarea unui arabesc sinuos.  Detestând pensula vizibilă, Ingres nu a recurs la efectele schimbătoare de culoare și lumină de care școala  romantică depindea; prefera culorile locale modelate doar slab în lumină pe jumătate de tonuri. Ingres a fost lipsit astfel de mijloacele de a produce unitatea necesară atunci când a avut de-a face cu compoziții aglomerate, precum Apoteoza lui Homer și Martiriul Sfântului Simforian . Dintre picturile istorice și mitologice ale lui Ingres, cele mai reușite sunt de obicei cele care înfățișează una sau două figuri, cum ar fi Oedip , Scăldatorul pe jumătate , Odalisca și Izvorul .

Odalisque cu sclav – Walters Art Gallery , Baltimore

În Roger Freeing Angelica , nudul feminin pare doar juxtapus cu figura meticuloasă, dar inertă, a lui Roger pentru că Ingres a avut rareori succes în reprezentarea mișcării și a dramei. Potrivit lui Sanford Schwartz, „imaginile istorice, mitologice și religioase indică cantități uriașe de energie și industrie, dar, transmițând puțin sentiment palpabil de tensiune interioară, sunt drame costumate… Fețele din imaginile de istorie sunt în esență cele ale modelelor care așteaptă pentru ca sesiunea să se termine. Când o emoție urmează să fie exprimată, ea apare în mod strident, sau de lemn.”

Ingres era adversarul teoriilor, iar supunerea lui față de clasicism – cu accent pe ideal, generalizat și regulat – a fost temperată de dragostea lui pentru particular.  El credea că „secretul frumuseții trebuie găsit prin adevăr. Anticii nu au creat, nu au făcut; au recunoscut”.  În multe dintre lucrările lui Ingres există o coliziune între idealizat și particular care creează ceea ce Robert Rosenblum a numit o „senzație de ulei și apă”.  Această contradicție este vie în Cherubini și muza poeziei lirice (1842), de exemplu, în care compozitorul în vârstă de 81 de ani, pictat în mod realist, este însoțit de o muză idealizată în draperii clasice.

Alegerea subiectelor lui Ingres reflecta gusturile sale literare, care erau sever limitate: a citit și recitit Homer , Vergiliu , Plutarh , Dante , istorii și viețile artiștilor.  De-a lungul vieții, a revizuit un număr mic de teme preferate și a pictat versiuni multiple ale multor compoziții sale majore.  El nu împărtășea entuziasmul vârstei sale pentru scenele de luptă și, în general, a preferat să înfățișeze „momente de revelație sau de decizie intime manifestate prin întâlnire sau confruntare, dar niciodată prin violență”.  Numeroasele sale picturi de odaliscă au fost influențate în mare măsură de scrierile lui Mary Wortley Montagu, soția ambasadorului în Turcia ale cărui jurnale și scrisori, când au fost publicate, au fascinat societatea europeană.

Deși capabil să picteze rapid, a lucrat adesea ani de zile la un tablou. Elevul lui Ingres, Amaury-Duval , a scris despre el: „Cu această facilitate de execuție, cineva are dificultăți în a explica de ce opera lui Ingres nu este încă mai mare, dar el și-a îndepărtat opera frecvent, nefiind niciodată mulțumit… și poate că această facilitate în sine l-a făcut să refacă orice l-a nemulțumit, sigur că avea puterea de a repara defecțiunea și rapid, de asemenea.”  Venus Anadyomene a lui Ingres a fost începută în 1807, dar nu a fost finalizată până în 1848, după o lungă pauză rezultată din nehotărârea sa cu privire la poziția armelor.  Sursa(1856) a avut o istorie similară. A început în anii 1820 ca o schiță a „atât de simplitate încât s-ar presupune că a fost pictată dintr-o singură lovitură”, potrivit lui Amaury-Duval, care credea că reelaborarea picturii de către Ingres în 1855 a fost o pierdere.

 Desenele sale portretistice, dintre care aproximativ 450 mai există  , sunt astăzi printre cele mai admirate lucrări ale sale. În timp ce un număr mare dintre ele datează din primii săi ani

în Italia, el a continuat să producă portrete ale prietenilor săi până la sfârșitul vieții. Agnes Mongan a scris despre desenele pentru portrete:

Încă dinainte de a pleca în toamna lui 1806 de la Paris la Roma, caracteristicile familiare ale stilului său de desen erau bine stabilite, conturul delicat, dar ferm, distorsiunile clare, dar discrete ale formei, capacitatea aproape neobișnuită de a reda o asemănare precisă, delimitarea plină de viață a caracteristicilor.

 

 

Materialele preferate erau deja stabilite: creionul de grafit ascuțit pe o hârtie albă netedă. Atât de familiare ne sunt atât materialele, cât și felul, încât uităm cât de extraordinare trebuie să fi părut la acea vreme… Modul de a desena al lui Ingres era la fel de nou ca secolul. A fost imediat recunoscut ca expert și admirat. Dacă picturile sale au fost aspru criticate ca fiind „gotice”, nicio critică comparabilă nu a fost adresată desenelor sale. 

Studentul său, Raymond Balze , a descris rutina de lucru a lui Ingres în executarea desenelor portretelor sale, pentru fiecare dintre ele fiind nevoie de patru ore, ca „o oră și jumătate dimineața, apoi două ore și jumătate după-amiaza, foarte rar îl retușa a doua zi. Mi-a spus deseori că a prins esența portretului în timp ce lua prânzul cu modelul care, neprevăzut, a devenit mai natural”.  Desenele rezultate, potrivit lui John Canaday , au dezvăluit personalitățile șezătoarelor prin mijloace atât de subtile – și atât de lipsite de cruzime – încât Ingres ar putea „demasca vanitățile unui nenorocit, unei femei proaste sau a unui sac de vânt, în desene care i-a încântat.”

Ingres și-a desenat portretele pe hârtie țesă , care a oferit o suprafață netedă foarte diferită de suprafața nervură a hârtiei întinse (care este, totuși, denumită uneori astăzi „ hârtia Ingres ”).  Desenele timpurii sunt caracterizate de contururi foarte întinse desenate cu grafit ascuțit, în timp ce desenele ulterioare arată linii mai libere și modelare mai accentuată, desenate cu un grafit mai moale și mai tocit.

Desenele realizate în pregătirea pentru picturi, cum ar fi numeroasele studii pentru Martiriul Sfântului Simforian și Epoca de aur , sunt mai variate ca mărime și tratament decât desenele portret. Obișnuința lui era să facă multe desene de modele nud, în căutarea celui mai elocvent gest, înainte de a mai face o serie de desene pentru draperii. În primii săi ani, uneori își punea modelul în spatele unui voal translucid care suprima detaliile și sublinia arabescul.  El a folosit adesea modele feminine atunci când a testat ipostaze pentru figuri masculine, așa cum a făcut în desenele pentru Iisus Among the Doctors .  Studii de nud există chiar și pentru unele dintre portretele sale comandate, dar acestea au fost desenate folosind modele angajate.

Ingres a desenat o serie de vederi de peisaj în timp ce se afla la Roma, dar a pictat un singur peisaj pur, micul tondo Raphael’s Casino (deși alte două mici tondo de peisaj îi sunt uneori atribuite).

 

Pentru Ingres, culoarea a jucat un rol complet secundar în artă. El a scris: „Culoarea adaugă ornament unui tablou; dar nu este altceva decât roaba, pentru că tot ceea ce face este să facă mai plăcute adevăratele perfecțiuni ale artei. Rubens și Van Dyck pot fi plăcut la prima vedere, dar sunt înșelătoare. ; sunt de la săraca școală a coloriștilor, școala înșelăciunii. Nu folosiți niciodată culori strălucitoare, sunt antiistorice. Este mai bine să cădeți în gri decât în ​​culori strălucitoare.

Institutul din Paris s-a plâns în 1838 că studenții de la Ingres din Roma „aveau o deplorabilă lipsă de cunoaștere a adevărului și a puterii culorii și o cunoaștere a diferitelor efecte ale luminii. Un efect plictisitor și opac se găsește în toate pânzele lor. Par să fi fost luminate doar de amurg”. Baudelaire observa: „studenții lui M. Ingres au evitat  inutil orice aparență de culoare; ei cred sau pretind că cred că nu sunt necesari în pictură”.

Picturile lui Ingres variază considerabil în ceea ce privește utilizarea culorii, iar criticii erau susceptibili să le reproșeze ca fiind prea gri sau, dimpotrivă, prea șocante.  Baudelaire — care a spus „M. Ingres adoră culoarea ca un modăresc la modă” — a scris despre portretele lui Louis-François Bertin și Madame d’Haussonville: „Deschide-ți ochii, națiune a nebunilor, și spune-ne dacă ai văzut vreodată. o pictură atât de orbitoare, atrăgătoare, sau chiar o mai mare elaborare a culorii”.  Picturile lui Ingres sunt adesea caracterizate de culori locale puternice, cum ar fi „albastrul acid și verdele sticlei” pe care Kenneth Clark a declarat că „se bucură pervers” în La Grande Odalisque .  În alte lucrări,Mademoiselle Jeanne-Suzanne-Catherine Gonin (1821), culoarea este restrânsă.

Sursa: Critica de specialitate

 

Destin postum

Copleșit de onoruri, Jean Auguste Dominique Ingres,  a murit de pneumonie la 14 ianuarie 1867, la vârsta de optzeci și șase de ani, în apartamentul său de pe Quai Voltaire din Paris. El este înmormântat în cimitirul Père Lachaise din Paris cu un mormânt sculptat de elevul său Jean-Marie Bonnassieux . Conținutul atelierului său, inclusiv o serie de picturi majore, peste 4000 de desene și vioara sa, a fost lăsat moștenire de artist muzeului orașului din Montauban, cunoscut acum sub numele de Musée Ingres.

Ingres și Delacroix au devenit, la mijlocul secolului al XIX-lea, cei mai importanți reprezentanți ai celor două școli de artă concurente din Franța, neoclasicismul și romantismul . Neoclasicismul s-a bazat în mare parte pe filosofia lui Johann Joachim Winckelmann (1717–1768), care a scris că arta ar trebui să întrupeze „simplitatea nobilă și grandoarea calmă”. Mulți pictori au urmat acest curs, printre care François Gérard , Antoine-Jean Gros , Anne-Louis Girodet și Jacques-Louis David, profesorul lui Ingres. O școală concurentă, romantismul, a apărut mai întâi în Germania și s-a mutat rapid în Franța. A respins ideea de imitare a stilurilor clasice, pe care le-a descris drept „gotice” și „primitive”. Romanticii din pictura franceză au fost conduși de Théodore Géricault și mai ales Delacroix.

Rivalitatea a apărut pentru prima dată la Salonul de la Paris din 1824, unde Ingres a expus Legământul lui Ludovic al XIII-lea , inspirat de Rafael , în timp ce Delacroix a prezentat Masacrul de la Chios , înfățișând un eveniment tragic din Războiul de Independență al Greciei.

Pictura lui Ingres a fost calmă, statică și atent construită, în timp ce opera lui Delacroix a fost tulbure, plină de mișcare, culoare și emoție.

Disputa dintre cei doi pictori și școli a reapărut la Salonul din 1827, unde Ingres a prezentat L’Apotheose d’Homer , un exemplu de echilibru și armonie clasică, în timp ce Delacroix a arătat Moartea lui Sardanapalus , o altă scenă strălucitoare și tumultoasă a violenței. Duelul dintre cei doi pictori, fiecare considerat cel mai bun din școala lui, a continuat de-a lungul anilor. Artiștii și intelectualii din Paris au fost divizați cu pasiune de conflict, deși istoricii de artă modernă tind să-l considere pe Ingres și alți neoclasici ca întruchipând spiritul romantic al timpului lor.

La Expoziția Universală din 1855, atât Delacroix, cât și Ingres au fost bine reprezentați. Susținătorii lui Delacroix și romanticii au abuzat de opera lui Ingres. Frații Goncourt au descris „talentul avar” al lui Ingres: „În fața istoriei, domnul Ingres cheamă în zadar în ajutor o anumită înțelepciune, decență, comoditate, corectare și o doză rezonabilă din înălțarea spirituală pe care o cere un absolvent de facultate. El împrăștie persoane în centrul acțiunii… aruncă ici și colo un braț, un picior, un cap perfect desenat și crede că treaba lui este gata…”

De asemenea, Baudelaire , anterior simpatic față de Ingres, s-a îndreptat spre Delacroix. „M. Ingres poate fi considerat un om înzestrat cu înalte calități, un evocator elocvent de frumos, dar lipsit de temperamentul energic care creează fatalitatea geniului”.

Delacroix însuși a fost fără milă față de Ingres. Descriind expoziția de lucrări ale lui Ingres la Expoziția din 1855, el a numit-o „ridicol… prezentat, după cum se știe, într-un mod destul de pompos… Este expresia completă a unei inteligențe incomplete; efortul și pretenția sunt pretutindeni; nicăieri nu se găsește o scânteie a naturalului.”

 

Influența lui Ingres asupra generațiilor ulterioare de artiști a fost considerabilă. Unul dintre moștenitorii săi a fost Degas , care a studiat sub Louis Lamothe , un discipol minor al lui Ingres. În secolul al XX-lea, influența sa a fost și mai puternicăPicasso și Matisse au fost printre cei care au recunoscut o datorie față de Ingres; Matisse l-a descris ca fiind primul pictor „care a folosit culori pure, conturându-le fără a le distorsiona”.  Efectele surprinzătoare ale picturilor lui Ingres – prăbușirea profunzimii și perspectivei tradiționale și prezentarea figurilor „ca figurile dintr-un pachet de cărți” – au fost criticate în secolul al XIX-lea, dar au fost salutate de avangardă în secolul al XX-lea. secol.

Pablo Picasso , Portretul lui Gertrude Stein – Metropolitan Museum of Art , New York

O retrospectivă importantă a lucrărilor lui Ingres a avut loc la Salon d’automne din Paris în 1905, care a fost vizitată de Picasso, Matisse și mulți alți artiști. Compoziția originală și izbitoare din „Baia turcească”, prezentată pentru prima dată în public, a avut o influență vizibilă asupra compoziției și a pozițiilor figurilor din Les Demoiselles d’Avignon de Picasso în 1907.  Expoziția a inclus și multe din studiile sale pentru pictura murală neterminată l’Age d’or , inclusiv un desen izbitor de femei care dansează cu graţie în cerc. Matisse a produs propria sa versiune asupra acestei compoziții în pictura sa La Danse în 1909.  Poza și colorarea specială a lui Ingresa a reapărut și în Portretul lui Gertrude Stein al lui Picasso (1906). 

Barnett Newman l-a creditat pe Ingres drept un progenitor al expresionismului abstract , explicând: „Tipul ăsta era un pictor abstract… S-a uitat la pânză mai des decât la model. Kline , de Kooning — niciunul dintre noi nu ar fi existat fără el”. 

Les Demoiselles d’Avignon – Pablo Picasso

Pierre Barousse, curatorul Muzeului Ingres, a scris:

…Ne dăm seama în câte feluri o varietate de artiști îl pretind ca maestru al lor, de la cei mai clar convenționali ai secolului al XIX-lea, cum ar fi Cabanel sau Bouguereau , până la cei mai revoluționari ai secolului nostru, de la Matisse la Picasso. Un clasicist? Mai presus de toate, a fost mișcat de impulsul de a pătrunde secretul frumuseții naturale și de a-l reinterpreta prin mijloace proprii; o atitudine fundamental diferită de cea a lui David… rezultă o artă cu adevărat personală și unică admirată atât de cubiști pentru autonomia sa plastică, cât și de suprarealiști pentru calitățile sale vizionare.

Desi a dorit sa ramana in istoria artei ca pictor de subiecte istorice , concurent continuu al lui Eugene Delacroix, este un titan al desenului, precusor al curentelor sfarsitului secolului XIX si inceput al secolului XX. In opinia mea Ingres este in desen mult superior rivalului sau Delacroix.

 

Rubrică realizată de Cezar Corâci

PS

Comentariu de la un cititor

La Londra tocmai s a deschis la National Galery o expozitie continand numai aceste doua picturi Ingres: Madame Moitessier si Picasso Wooman with a book